La composition ne sert pas à faire de belles photos. Elle sert à transmettre une émotion.

Pendant longtemps, j'ai pensé que composer une photographie consistait surtout à bien placer les éléments dans le cadre.

Je voyais la composition comme une liste d’étapes à suivre :

• Respecter les règles,

• Chercher un équilibre,

• Trouver une bonne perspective

• Éviter telles erreurs.

J'ai appris toutes ces choses, comme beaucoup de photographes. Mais avec le temps, ma manière de composer a complètement changé. Aujourd'hui, je ne me demande jamais si ma composition respecte une règle.

Je me demande plutôt :

Est-ce que cette composition permet de transmettre ce qui m'a donné envie de photographier cette scène ?

C'est une différence importante.

Parce qu'une composition peut être parfaitement équilibrée et ne provoquer absolument aucune émotion. À l'inverse, une image peut être complexe, imparfaite ou ne respecter aucune règle évidente et pourtant nous retenir immédiatement. Pour moi, la composition doit avant tout servir l'émotion.

Tout commence par ce qui attire mon regard

Il n'y a pas une seule manière pour moi de commencer une photographie. Parfois, c'est une forme qui m'attire, parfois une couleur, une texture ou même une combinaison entre plusieurs éléments.

Mais il y a quelque chose qui revient très souvent :

la lumière.

La lumière est probablement le premier véritable déclencheur de mon envie de photographier. Je peux observer une scène pendant plusieurs minutes sans avoir envie de sortir mon appareil.

Puis une lumière apparaît, elle traverse les arbres et vient révéler une texture, créer un contraste, éclairer un élément précis.

Et soudain, quelque chose se passe : la scène devient intéressante.

C'est à partir de là que commence réellement mon travail de composition. Je ne cherche pas encore à prendre la photo.

Je cherche à comprendre ce qui vient de déclencher mon émotion.

Comprendre ce que l'on veut photographier

C'est probablement l'une des erreurs que je vois le plus souvent chez les photographes débutants. On regarde une photographie et on ne comprend pas pourquoi elle a été prise. Il n'y a pas vraiment de sujet clair, le regard ne sait pas où se poser et tout semble avoir la même importance.

Et lorsque tout est important, plus rien ne l'est réellement.

J'ai moi-même longtemps fait ce genre d'images. Je voyais une scène magnifique et je voulais simplement la faire entrer dans mon cadre. Mais un paysage peut être extraordinaire dans la réalité et complètement banal en photographie. L'œil humain et l'appareil photo ne voient pas de la même manière. Sur place, notre attention peut passer d'un arbre à une lumière, puis à une montagne, puis à une texture.

Nous sommes immergés dans l'ensemble de la scène. La photographie, elle, doit faire des choix. Elle doit décider ce qui mérite de rester. Et surtout, elle doit créer une hiérarchie.

Construire plutôt que capturer

C'est probablement l'un des changements les plus importants dans ma manière de travailler.

Avant, lorsque je trouvais une scène intéressante, je cherchais rapidement une composition qui fonctionnait.

Je la photographiais puis je passais à autre chose. J'étais dans une logique de productivité. Aujourd'hui, je prends beaucoup plus de temps pour construire. Lorsque quelque chose m'attire, j'identifie d'abord le sujet principal et ensuite je regarde tout ce qui l'entoure.

• Quels éléments peuvent le mettre en valeur ?

• Quels éléments viennent perturber sa présence ?

• Y a-t-il une couleur qui peut créer un contraste intéressant ?

• Une texture qui peut apporter de la profondeur ?

• Une ombre qui peut équilibrer une zone lumineuse ?

• Une forme qui peut créer un écho avec mon sujet ?

Je regarde chaque zone du cadre, je hiérarchise et surtout, je me déplace. Parfois de quelques mètres seulement mais ces quelques mètres peuvent complètement changer les relations entre les éléments.

Un arbre peut cacher une zone inutile, une lumière peut devenir beaucoup plus présente, un premier plan peut disparaître, deux formes peuvent soudainement entrer en relation.

C'est à ce moment-là que la photographie commence réellement à se construire.

Simplifier ne veut pas forcément dire faire minimaliste

Lorsque je parle de simplifier une image, je ne parle pas nécessairement de retirer presque tout ce qu'elle contient.

Une photographie peut être très complexe et rester parfaitement lisible.

La question n'est pas :

"Combien d'éléments y a-t-il dans cette image ?"

La question est :

"Est-ce que je comprends ce qui est important ?"

Une forêt peut contenir des dizaines d'arbres, des feuilles, de la mousse, des branches, des ombres et de la lumière.

Elle peut être extrêmement complexe mais si tous ces éléments sont organisés autour d'une intention claire, l'image peut rester parfaitement lisible.

À l'inverse, une photographie contenant seulement trois éléments peut être difficile à comprendre si aucune hiérarchie n'existe entre eux.

C'est cette hiérarchie qui permet au regard de circuler.

Et c'est elle qui permet à l'émotion de passer.

Je ne compose pas pour le spectateur

Il y a quelque chose que j'ai également appris avec le temps : je pense moins au spectateur qu'avant.

Cela peut sembler paradoxal lorsque l'on parle de lisibilité mais si je commence à me demander constamment ce que les autres vont penser de mon image, je risque rapidement de perdre ma liberté.

Je ne veux pas construire une photographie pour qu'elle plaise au plus grand nombre. Je veux construire une photographie dont je sois réellement fier. Je travaille donc beaucoup à l'instinct, je me laisse guider par ce qui m'attire. Je cherche à rester libre de toute pensée parasite.

Cela ne signifie évidemment pas que je fais n'importe quoi.

Je continue à observer, à analyser, à simplifier et à chercher l'équilibre.

Mais toutes ces questions ont un seul objectif : servir l'image que j'ai envie de créer.

Pas satisfaire une règle, pas répondre aux attentes d'un public et encore moins reproduire une photographie qui fonctionne déjà.

Tout ce qui est beau ne fait pas une bonne photographie

C'est probablement une des leçons qui m'a demandé le plus de temps à comprendre.

Avant, lorsqu'une scène était magnifique, je voulais absolument la photographier.

Même lorsque je ne trouvais pas de composition qui me satisfaisait, je forçais l'image.

Je cherchais un cadrage, puis un autre, puis une autre focale.

Je voulais absolument repartir avec quelque chose. Aujourd'hui, j'accepte beaucoup plus facilement de ne pas photographier une scène. Parce que je sais qu'une belle scène ne garantit absolument pas une bonne photographie.

Parfois, la lumière est incroyable, le paysage est magnifique, l'atmosphère est exceptionnelle pourtant rien ne fonctionne dans le cadre.

Le regard se perd, les éléments ne s'organisent pas et l''image manque d'équilibre. Dans ces moments-là, je préfère désormais laisser la scène derrière moi. Ce n'est pas un échec, c'est simplement reconnaître que ce que je ressens sur le terrain ne peut pas toujours être traduit en photographie.

Et cette capacité à renoncer m'a paradoxalement permis de faire de meilleures images.

Une bonne composition doit provoquer quelque chose

Lorsque je regarde aujourd'hui mes photographies préférées, je retrouve souvent les mêmes caractéristiques.

Une lumière forte, parfois presque cinématographique avec des contrastes puissants, des couleurs vives, une organisation claire des éléments et surtout, une sensation d'immersion.

Je veux avoir la sensation que l'image m'absorbe, que mon regard peut y entrer.

Pour cela chaque élément contribue à l'atmosphère générale. C'est ce que je recherche lorsque je photographie. Pas simplement une belle organisation visuelle mais une émotion, de l'émerveillement et de l'immersion.

Et parfois quelque chose de plus difficile à définir.

C'est pour cette raison que ma définition de la composition est devenue très simple :

La composition doit servir l'émotion en apportant harmonie et équilibre dans la scène photographiée.

Une bonne composition n'est donc pas celle qui respecte le plus de règles.

C'est celle qui permet à l'émotion d'exister dans l'image.

Alors, comment savoir si sa composition fonctionne ?

Je ne pense pas qu'il existe une réponse universelle.

Et c'est peut-être justement ce qui rend la photographie intéressante.

Lorsque quelqu'un me montre une image et me demande si sa composition fonctionne, je préfère lui poser des questions plutôt que lui donner immédiatement une réponse.

• Es-tu satisfait de ta photo ?

• Qu'est-ce qui te plaît ?

• Qu'est-ce qui te plaît moins ?

• Pourquoi as-tu pris cette photographie ?

• Est-ce que tu penses pouvoir faire mieux ?

• Qu'est-ce que tu changerais si tu avais l'occasion de refaire la scène ?

Ces questions obligent le photographe à regarder réellement son image. Et c'est probablement beaucoup plus formateur que de lui dire simplement que son sujet aurait dû être placé sur un point de force. Car progresser en composition, ce n'est pas apprendre à appliquer des règles. C'est apprendre à comprendre pourquoi une image fonctionne… ou pourquoi elle ne fonctionne pas.

Pour conclure

Aujourd'hui, lorsque je déclenche, je ne cherche pas à faire une composition parfaite. Je cherche à construire une image qui traduise ce que je ressens.

Je cherche d'abord ce qui m'attire puis je construis autour.

J'identifie les éléments essentiels, je crée des relations entre eux puis je supprime ce qui perturbe la lecture et pour finir je cherche l'équilibre. Et lorsque tout semble enfin fonctionner ensemble, je déclenche.

La composition n'est alors plus une contrainte, elle devient un langage. Un moyen d'organiser le réel pour transmettre quelque chose que les mots ne peuvent pas toujours expliquer.

Parce qu'au fond, une bonne composition n'est pas celle qui respecte les règles.

C'est celle qui permet de procurer une émotion.